Von Highfield über Rock am Ring bis Wacken: Diese Konzerne geben deutschen Musikfestivals den Takt vor

Seine Diagnose ist nicht gerade romantisch: Nicht mehr die Konzertimpresarios der alten Schule würden das Heft im Konzert- und Festivalgeschäft in der Hand halten, sondern das internationale Finanzkapital, resümiert der Autor und Konzertveranstalter Berthold Seliger in seinem neuen Buch „Vom Imperiengeschäft“. Im Interview spricht er über die Hintergründe der großen Festivals, das Geschäft mit Besucherdaten und die Konsequenzen für die kulturelle Vielfalt. Seliger, 1960 geboren, lebt in Berlin. Am 24. August stellt er sein Buch beim Popfest in der Leipziger Moritzbastei vor (18 Uhr, Oberkeller, Eintritt frei). Gehen wir mal die Festivals in der Umgebung durch. Wer steht hinter dem Highfield-Festival, das gerade zu Ende gegangen ist? Das ist FKP Scorpio, eine Tochter von CTS Eventim, einem der drei größten Konzertveranstalter der Welt und deutscher Marktführer. Wie sieht es bei SonneMondSterne in Thüringen aus? CTS Eventim hält über eine Tochterfirma inzwischen 51 Prozent an der Seekers Event GmbH Jena und damit an SMS. Berthold Seliger Matthias Reichelt Wo ist CTS sonst noch beteiligt? Bei Rock am Ring, Rock im Park, Hurricane, Southside und vielen anderen Großfestivals in Deutschland ist der hiesige Marktführer CTS Eventim direkt oder über seine Tochterfirmen beteiligt, der Konzern kontrolliert etwa zwei Drittel aller großen Rock- und Pop-Festivals hierzulande. Und dazu kommt die Marktmacht von CTS Eventim als Tickethändler: Der Konzern ist weltweit die Nummer Zwei im Ticketing und hierzulande deutlich Marktführer. Das heißt, man verdient nicht nur an den eigenen Konzerten, sondern vor allem am Ticketverkauf – der eigenen Konzerte wie auch der Konzerte der anderen Konzertveranstalter. Das eigentliche Geld wird heute nicht mehr mit Konzerten, sondern mit dem Ticketing verdient. Full Force, Splash und Melt, alle drei inzwischen in Ferropolis beheimatet – wer ist da im Hintergrund? Diese drei Festivals gehören, ebenso wie die Tourneefirma Melt! Booking, mittlerweile zu einer Goodlive AG. Das ist ein relativ neu entstandener Zusammenschluss von einigen Firmen, die sich einen vage alternativen „Indie“-Anspruch geben, die aber knallhart Musik und Marken miteinander verbinden. Die Musik der „Subkulturen“ dient dabei in erster Linie dazu, dass die „Marken“ der Konzerne „authentisch mit dem Event verschmolzen“ werden, wie es auf der Homepage von Goodlive heißt. Heißt konkret? Es geht um Sponsoring, Events, um Marken und Konsumenten, und alles dient dem Profit. Kein Wunder, wenn man bedenkt, dass die Investmentgesellschaft Paragon Partners an Goodlive nennenswert beteiligt ist. Diese sich ach so cool und sexy gebenden Festivals sind also faktisch in der Hand von Private Equity, also von Kapitalorganisatoren, die sich von ihrem Investment laut Selbstauskunft ein „signifikantes Wertsteigerungspotenzial“ erwarten. Und Wacken? Bis Sonntag hätte ich noch geantwortet: Wacken ist da ein Sonderfall, die sind nach wie vor unabhängig. Aber das ist ja jetzt leider auch perdu – gerade hat sich Superstruct Entertainment nach Parookaville auch am bislang unabhängigen Wacken-Veranstalter ICS beteiligt. Superstruct gehört dem Private Equity-Konzern Providence Equity Partners und ist in den letzten Jahren auf Beutezug durch die europäische Festivallandschaft gezogen und hat sich in einige der renommiertesten Festivals eingekauft, wie Sziget (Ungarn), Sónar (Spanien und Lateinamerika), Øya (Norwegen) oder Flow (Finnland). Es ist deprimierend: Ein großer Teil der europäischen Festivals ist mittlerweile in der Hand von Private Equity, also der sogenannten „Heuschrecken“, und der andere Teil ist in der Hand der Großkonzerne der Konzertindustrie. Wer sind die wichtigsten Player im weltweiten Konzertzirkus? Das sind die drei Großkonzerne, die praktisch den gesamten Markt dominieren: Live Nation, der Weltmarktführer, CTS Eventim, der deutsche Monopolist, und AEG, die Anschütz Entertainment Group. Sie schreiben von einem Paradigmenwechsel im Konzertgeschäft. Früher war das Ziel, dass ein Konzert schnell ausverkauft ist. Und jetzt? Nun, die neuen Herren der internationalen Konzertimperien sehen das anders. Sie sind bei einem rasch ausverkauften Konzert der Ansicht, dass der Ticketpreis zu günstig war. Sie ziehen den rein wirtschaftlich gesehen logischen Schluss, dass man höhere Ticketpreise hätte verlangen und den Profit noch weiter hätte steigern können. Michael Rapino, der Chef von Live Nation, des Weltmarktführers der Konzertindustrie, findet die Ticketpreise – heute im Durchschnitt knapp 100 Euro für die Großtourneen! – noch zu günstig. Dadurch, dass Live Nation und CTS Eventim weltweit eine Art Oligopol im Konzertgeschäft und im Ticketing bilden und heute die allermeisten Superstars und Bands unter Vertrag haben, können sie beliebig an der Preisschraube drehen. Immer höhere Ticketpreise sind die Folge. Dazu kommen alle möglichen mehr oder weniger seriöse Tricks, wie den Fans mehr Geld aus der Tasche gezogen werden kann: Sogenannte Platin-Tickets, Dynamic oder High Pricing, Slow Ticketing zum Beispiel. Was läuft bei den Festivals hinter den coolen Kulissen? Der Chef von CTS Eventim, Klaus Peter Schulenberg, spricht von einer „Content-Pipeline“, die stetig „weiterentwickelt“ werden müsse. Was bedeutet das im Klartext? Festivals und Konzerte werden heute hauptsächlich deswegen veranstaltet, um eine „Pipeline“, eine Abspielstation für Brands und Sponsoren zu haben, und sie bieten die Möglichkeit, mit dem Ticketing das eigentliche Geschäft zu machen. Denken Sie an die Festivalbändchen, die man bei den meisten Festivals ums Handgelenk trägt und die zum Eintritt berechtigen. Die sind mit NFC-Chips ausgestattet, also mit kleinen Sendern zur „Nahfeldkommunikation“. Wozu dient das? Die komplette Bezahlung auf dem Festivalgelände läuft über diese NFC-Chips, Sie können nichts mehr mit Bargeld bezahlen. So wissen die Festivalveranstalter über das komplette Konsumverhalten der Fans auf dem Festival Bescheid und verfügen über lückenlose Protokolle, wer was wann wo und zu welcher Musik getrunken, gegessen oder gekauft hat. Sie verfügen über ein komplettes Bewegungs- und Konsumprofil aller Festivalbesucher. Und da die Veranstalter in aller Regel auch gleichzeitig die Tickethändler sind, können sie diese Daten mit den ohnehin vorhandenen Adress- und Bezahldaten, also den Verkaufsdaten der Tickets abgleichen und verfügen so über einen ungeheuren Datenschatz, den sie permanent auswerten und zum Beispiel ihren Branding-Partnern zur Verfügung stellen. Wer hat uns verraten? Metadaten! Das ist ein Riesengeschäft. CTS Eventim gehört in Deutschland bereits zu den drei größten E-Commerce-Anbietern, neben Amazon und Otto. Bei Amazon wissen mittlerweile viele Menschen, dass zu deren umstrittenem Geschäftsmodell Big Data gehört, bei CTS Eventim weiß es kaum jemand. Aber auch dieser Konzern betreibt ein Geschäft des Überwachungskapitalismus, der uns auf allen Ebenen beobachtet und analysiert, um seine Produkte zu entwickeln. Warum interessieren sich Investoren überhaupt für Festivals? Für Private Equity-Konzerne und Hedge-Fonds, also die Kapitalorganisatoren, eignet sich die Konzert- und Festivalbranche perfekt als Tummelfeld für ihr frei floatendes Kapital. Das internationale Finanzkapital ist seit zig Jahren auf der Suche nach Superrenditen. Die Zinsen für feste Kapitalanlagen sind niedrig, die Investitionen in die großen Aktiengesellschaften sind längst getätigt, also sucht man nach neuen Anlagemöglichkeiten. Und da kommen Festivals gerade recht, denn die Anleger sind heute zunehmend auf der Suche nach einem besseren Image. Sogar Hedgefonds setzen ja mittlerweile auf grüne und bunte Werte, die Erben der großen Vermögen, aber auch zum Beispiel der norwegische Staatsfonds, einer der weltweit größten Investoren, suchen Investitionsmöglichkeiten in nachhaltigen und „weichen“ Branchen. Chemie oder Rüstung sind nicht mehr so cool, da ist es doch schön, wenn man seinem Portfolio einige Festivals mit sympathischem Image beimischen kann. Sie sprechen in Ihrem Buch immer wieder „vom Imperiengeschäft“; es ist auch der Titel. Was ist damit gemeint? Den Begriff habe ich aus der Fernsehserie „Breaking Bad“ geliehen, die eine Existenzform des modernen Kapitalismus beschreibt, die durch den gnadenlosen Neoliberalismus, wie wir ihn seit den siebziger Jahren erleben müssen, und die Digitalisierung erst ermöglicht wurde: eben das Imperiengeschäft. Man macht einen Laden nicht mehr auf, um einen Laden zu besitzen und ihn erfolgreich zu führen. Man gründet keine Firma mehr, um ein Produkt zu entwickeln und erfolgreich zu verkaufen. Nein, man macht heutzutage einen Laden auf, um einen zweiten aufzumachen, einen dritten, solange, bis man den örtlichen und den regionalen Markt beherrscht, dann den nationalen und schließlich den Weltmarkt. Es geht darum, einen Markt zu dominieren, ein Imperium zu errichten, ganz egal mit welchem Produkt (und es muss nicht einmal ein Produkt sein, im digitalen Kapitalismus betreiben die erfolgreichsten Unternehmen ja häufig nur Plattformen), und ganz egal in welchem Sektor. Es geht um Weltherrschaft. Kapitalismus um des Kapitalismus willen. Was bedeuten diese Konzentrationsprozesse und neuen Verwertungssysteme sowie die zugrunde liegenden Haltungen für die kulturelle Vielfalt? Aus einem weitgehend regionalen Konzertmarkt mit örtlichen und nationalen Konzert- und Tourneeveranstaltern, die größtenteils Musikbegeisterte waren, ist eine „Live-Industrie“ geworden, in der es kaum mehr um Musik, sondern nur noch um größtmögliche Profite geht. Live Nation und CTS Eventim sind Aktiengesellschaften, und die Aktionäre haben kein Interesse an Kultur, sondern am Erfolg ihrer Aktien. Es ist ein typisches Shareholder-Business geworden, und entsprechend sind diese Großkonzerne nur noch an den Superstars interessiert. Das Konzertgeschäft als solches ist ja ein Superstar-Markt: Ein Prozent aller Musiker und Bands erzielen sechzig Prozent aller weltweiten Konzerteinnahmen, und die oberen fünf Prozent der Performer generieren sage und schreibe 85 Prozent aller Konzerteinnahmen. Und die Konzertkonzerne konzentrieren sich hauptsächlich auf dieses Superstar-Geschäft, denn ihre Investoren und Shareholder erwarten sich davon Super-Renditen und Super-Profite. Welche Auswirkungen hat das? Wenn die Rockmusik und die Popkultur nur noch von einigen wenigen Konzernen weltweit dominiert werden, gerät die kulturelle Vielfalt unserer Gesellschaften in Gefahr. Wer kümmert sich denn noch um all die kleineren und die neuen Bands? Die Großkonzerne ganz sicher nicht, denn mit Bands, die vor wenigen Fans in den Clubs spielen, ist kein Geld zu machen. Aber genau dort, in den Clubs, entsteht die Popkultur. Die Aufbauarbeit, die die Clubs, die soziokulturellen Zentren und die unabhängigen Veranstalter leisten, macht die Popkultur doch überhaupt erst möglich. Die Rolling Stones haben jahrelang in kleinen Clubs gespielt, wo sie erst zu der Band wurden, die seit Jahrzehnten die Stadien der Welt rockt. Die Beatles wurden zu der weltberühmten Band durch ihre Monate im Hamburger Star-Club, wo sie sich und ihre Musik vor Publikum ausprobieren konnten. Patti Smith, die Ramones, Blondie, die Talking Heads und viele andere frühe New Yorker Punkrock- und New Wave-Bands lebten förmlich im CBGBs, und Tom Jones begann seine Karriere in Arbeiterclubs in Wales. Popkultur benötigt derartige utopische Räume, um sich überhaupt entwickeln zu können. Und sie benötigt Menschen, denen derartige Utopien wichtig sind. Sie selbst betreiben seit 1988 eine Konzertagentur, haben mit Calexico, Lambchop oder Patti Smith zusammengearbeitet. Was sind die wesentlichen Veränderungen, die Sie persönlich erlebt haben, „lohnt“ sich das überhaupt noch? Wer die glückhaften Momente liebt, die einem ein gelungenes, inspirierendes Konzert verschaffen kann, der weiß, dass so etwas unbezahlbar ist. Klingt jetzt wie diese Kreditkartenwerbung, nicht? Aber es ist einfach so: Wer mit Künstlern und Künstlerinnen und Bands wie den genannten, oder mit Bratsch, mit Townes Van Zandt, Lou Reed, Tortoise oder Bonnie ‚Prince’ Billy zusammenarbeiten durfte oder darf, den dürfen Sie sich getrost als glücklichen Menschen vorstellen. Natürlich auch ein bisschen wie Sisyphos bei Camus... Gibt es noch Festivals, bei denen noch keine großen Investoren im Spiel sind? Sicher. Da sind zum einen die vielen kleineren Clubs und soziokulturellen Zentren zu nennen, wo wir eine selbstbestimmte, vielfältige Musikszene erleben können. Und dann gibt es natürlich immer noch unabhängige Festivals. Fusion, Rudolstadt, Immergut, Haldern Pop, das großartige Roskilde-Festival oder in Barcelona Primavera, das sind nur einige Beispiele für Festivals, bei denen immer noch im Geist von Monterey das Modell einer solidarischen Gemeinschaft von Musikern und Bands, von Publikum und, ja, auch von Veranstaltern und Agenten gelebt wird. Sie plädieren dafür, bestimmte „Kultur“-Großkonzerne zu zerschlagen und fragen im Buch gleich selbst, ob das nicht Sozialismus sei. Und, ist es das nicht? Gut, die Frage ist natürlich mit breitem Grinsen gestellt ... Unter Sozialismus stelle ich mir schon noch etwas mehr vor, als bloß die horizontale und vertikale Trennung der Konzertgroßkonzerne. Ich habe das in Diskussionen öfter erlebt, dass die Leute davor zurückschrecken, wenn ein Markt reguliert werden soll. Selbst bei den völlig übertriebenen Zusatzgebühren auf Konzerttickets heißt es dann, man solle doch nicht alles regulieren. Aber warum denn eigentlich nicht? Wir leben in Zeiten, da so viele Dinge, vernünftige wie absurde, reguliert werden. Da sollte man doch auch vernünftige Regulierungen fordern dürfen. Etwa Verbraucherschutz: Ich stelle mir eine Obergrenze für Ticket-Gebühren vor und faire Versandgebühren. Und wir benötigen ein stärkeres Kartellrecht, um die Monopole und Oligopole zu durchbrechen. Wofür setzen Sie sich noch ein? Ich fordere einen umfassenden gesetzlichen Kulturorte-Schutz, analog zum Denkmalschutz. Kulturelle Orte müssen gesichert und erhalten werden, und zwar sowohl faktisch, als Kulturräume, als auch wirtschaftlich, etwa durch Mieten, die sich nur analog zur Inflationsrate erhöhen dürfen. Die Clubs und Kulturzentren sind für die kulturelle Vielfalt, für die Kultur unserer Gesellschaft genauso wertvoll wie Philharmonien, Theater oder Opernhäuser, und sie müssen genauso geschützt werden. Dieses grundsätzliche Denken muss selbstverständlich werden. Es geht nicht an, dass wir um jeden einzelnen Club, der in seiner Existenz gefährdet ist, separat kämpfen müssen. Deswegen benötigen wir einen gesetzlichen Kulturorte-Schutz. Unsere Kulturorte sind nicht verhandelbar. Haben Sie Ihr Buch bewusst in einem kleinen Verlag, der Edition Tiamat, veröffentlicht? Klein, aber fein, ein in meinen Augen legendärer Verlag. Da sind unter anderem Bücher von Hannah Arendt, Kinky Friedman, Eike Geisel, Gabriele Goettle, Antonio Negri, Wolfgang Pohrt, Georg Seeßlen, Hunter S. Thompson und von meinen Freunden Wiglaf Droste und Franz Dobler erschienen, und nicht zuletzt auch tolle Musikbücher wie die von Lester Bangs, Richard Hell oder von Mark Fisher. Also, das scheint mir schon eine ideale Umgebung für meine Bücher zu sein. Und der Verleger, Klaus Bittermann, tickt ähnlich wie ich. Wir haben keine Verträge, wir sind Handschlag-Männer. Gegenseitiges Vertrauen zählt. Richtig „indie“ also. Sie schreiben zum Beispiel, dass ein Steuerumgehungsfonds Tantiemen kassiert, wenn Bob Marleys Songs, also auch die Emanzipationshymne „Get Up Stand Up“ gespielt werden. Kann das die Seele eines Songs zerstören? Nein, die, wie Sie es nennen, „Seele“ eines Songs von Bob Marley bleibt immer stärker als der Kapitalismus – der ja keine Seele hat. Das, was Sie hier beschreiben, hat mit bescheuerten Urheberrechts-Gesetzen zu tun, vor allem damit, dass die Rechte, die eigentlich, wie der Name „Urheber“ ja schon sagt, für die Künstler gedacht waren, auf alle Investoren übergehen, die sich die Musikstücke angeeignet haben. Da profitieren dann wieder Großkonzerne und Hedge-Fonds vom „Urheber“recht an Musikstücken, deren Urheber sie gewiss nicht sind. Was kann man als Fan tun? Ich fürchte, da muss ich Sie und die Fans enttäuschen – als sogenannte „Endverbraucher“ haben sie wenig Chancen, etwas zu ändern. Wenn sie zu teure Tickets oder bestimmte Großkonzerne boykottieren, schaden Sie sich ja letztlich selbst, jedenfalls, wenn sie ein Konzert unbedingt sehen wollen. Was man tun kann: Erstens mehr in die Clubs und Kulturzentren gehen. Dort spielen die Stars von morgen und übermorgen, und man ist nah dran und hat ein wirkliches, echtes Konzerterlebnis, im Gegensatz zu Stadionkonzerten, die ja doch meistens eine Plage mit Grottensound sind. Und zweitens: Politisch aktiv werden. Wirksamen Verbraucherschutz einfordern. Von Verantwortlichen kulturelle Vielfalt und konkrete Maßnahmen zu deren Sicherung verlangen. Ansonsten gilt: Die Musiker haben die Macht. Die können die Verhältnisse wirklich ändern, sie bestimmen ja nicht nur, was auf der Bühne passiert, sondern auch zu welchen Bedingungen. Da ist mehr Haltung gefordert. Berthold Seliger: Vom Imperiengeschäft. Wie Großkonzerne die kulturelle Vielfalt zerstören. Edition Tiamat; 343 Seiten, 20 Euro Von Jürgen Kleindienst

Interview mit Veranstalter Berthold Seliger - Von Highfield bis Wacken: Diese Konzerne geben deutschen Musikfestivals den Takt vor